外国美术史重点

外国美术史
　　第一章 史前美术
　　一、 旧石器时代美术
　　1、洞窟艺术：（1）法国拉斯科洞窟：发现于1940年，最精彩的是“公牛大厅”。
　　1）画家用粗壮简练的黑线勾画出轮廊。
　　2）用红、褐、黑色渲染出动物的体积和结构。
　　3）气势雄壮，富有动感，充满粗犷的原始气息和野性的生命力。
　　（2）西班牙的阿尔塔米拉洞窟：发现于1879年，代表是“受伤的野牛”。
　　1） 壁画轮廓线比较细，有明暗、粗细浓淡变化。
　　2） 与色彩渲染结合紧密，表现动物身体的结构。
　　3） 明暗起伏更为丰富，富有感情色彩。
　　2、小型雕塑艺术：代表是奥地利威伦道夫女性雕像，被称为“威伦道夫的维纳斯”。
　　出土的一系列女性圆雕和浮雕，夸张了女性的生理特征，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。
　　【简述旧石器时代晚期美术的风格及主要作品：
　　旧石器时代最杰出的绘画作品发现于法国西南部和西班牙北部地区。这里有几处洞窑，其中也包括泥塑和浮雕。表现内容皆以动物为主，手法写实而生动。其中最突出的代表是法国的拉斯科洞窑，西班牙的阿尔塔米拉洞窑壁画。】
　　二、中石器时代
　　1、拉文特岩画：中石器时代的岩画艺术，主要分布在西班牙东部地中海沿岸的拉文特地区。
　　1） 表现人类狩猎活动的情节性绘画。
　　2） 以人物、动物的运动和速度为特点，把运动中的形象加以拉长和夸张动作，强调动势。
　　3） 狩猎场面紧张活力。构图具有浓厚的情节性和生活气息，但忽略细节刻画，用色单纯。
　　三、新石器时代
　　1、建筑：英国南部的巨石阵，又称“斯通亨治”石环。是新石器时代巨石建筑中最具代表性的作品。
　　【原始美术特征：
　　1、重现实，表现题材多与战争和武力有关。
　　2、宏伟雄健的气质加活泼情调。
　　3、艺术处理随意而自由。】

　　第二章 古代两河流域美术
　　两河流域：今伊拉克境内的幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，古希腊人称之“美索不达米亚”。
　　一、苏美尔人美术
　　1、楔形文字——《吉尔伽美什史诗》
　　2、建筑：庙塔的成就最为杰出
　　3、雕塑：大多与宗教有关。《公牛竖琴》、《还愿雕像》
　　【举例说苏美尔圆雕神像的造型特征
　　苏美尔雕刻注重表现人物的内在精神，身体造型程式化，倾向于圆锥体活圆简形，着重刻画头部和眼睛。在台尔阿斯马尔的阿布神庙的地窑中发现的13尊苏美尔人立像是其代表作。这些雕像身体呈圆柱形，双手捧于胸前，姿势虔诚，面部表情平静安详，眼睛睁得很大，流露出纯真，朴实，专注的表情。】
　　二、阿卡德人的美术
　　1、《纳拉姆辛石碑》
　　三、巴比伦和马里美术
　　1、《汉谟拉比法典》：最古老的成文法典，法典刻在黑色的玄岩石碑上，上部为浮雕，下部为文字。
　　四、亚述美术
　　艺术遗迹丰富，以宫殿和雕塑最为著名。表现战争和狩猎的紧张场面、手法极为写实。充满激烈动势的浮雕，用来宣扬并炫耀亚述的政权与军事力量。
　　【简述亚述浮雕的特点及代表作品：
　　亚述浮雕以长幅的画面记载了历代亚述诸王的战争，狩猎，祭祀仪式和宫廷生活。尤其那些以写实手法表现的战争，狩猎等惊心动魄的场面，充满着激烈的动势和紧张的气氛，显示出亚述诸王特有的强悍和暴戾。特别是亚述浮雕中狮子的造型，在古代世界动物雕刻中几乎无可匹敌。亚述浮雕擅长刻画复杂而庞大的场面，有着比较成熟的群像组合与叙事，构图能力。】
　　五、新巴比伦美术
　　以建筑最具代表
　　1、伊斯塔尔门
　　2、空中花园
　　3、马杜克庙塔
　　六、赫梯和埃兰美术
　　1、狮子门
　　七、波斯美术
　　建筑雕塑最具代表
　　1、 波斯波利斯行宫

我每节都给你整理了点，自己再看看有没错漏啊。
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埃及古王国时期的美术精华主要体现在金字塔、雕塑、墓室浮雕和壁画中流传后世。
作为法老陵墓的金字塔经历了一个逐渐演变的过程。早期马斯塔巴是一种用泥砖构筑的低台建筑；后来被宏伟壮观的角锥型金字塔代替。乔赛尔王梯形金字塔是古埃及历史上最早的金字塔。吉萨金字塔群最为有名。其中胡夫金字塔的规模最为宏大，高度近150米。
金字塔结构简单、单纯、稳固。在轮廓的天际下，金字塔巨大的体量与一望无垠的沙漠融合在一起，实现了人类创造力与自然界的充分交流，也反映了一种威严、永恒和神秘的时代气气氛。
金字塔前的《狮身人面像》被希腊人称为"斯芬克斯"，象征着望权神授的观念。
雕塑主要代表为法老像，法老像一般用质地坚硬的岩石作材料，制作上遵循严格而系统化的工作程序，形成所谓的"正面律"，即人物无论站着或坐着，都须正面对着观者，头部和躯体保持笔直状态。《海夫拉坐像》典型地体现了这一特点。
贵族、官吏及劳动者雕塑虽然也采用了严格的程序化制作方法，但相对于法老雕塑要更为生动、自然和贴近现实生活。如《村长像》、《书记员》。
法老陵墓的墓室浮雕和壁画二者都采用层叠的横向画带形式。画面中人物大小及位置不是根据透视要求处理，而是由社会地位的尊卑来决定；造型上遵循着眼睛、肩胸正面，脸、腿和手为侧面的惯例。着色的原则为男子一律红褐色，女人为淡黄色。如壁画《梅杜姆的野鹅》细致、逼真得犹如标本，创作者把写实与图案化的处理巧妙地结合起来，使画面既有平面装饰效果，又不乏一定的生动性。
埃及新王国时期的美术获得了前所未有的繁荣，在许多方面已经脱离了传统的形式规范，而显现出鲜明的时代特征。这是一种注重表达人间温暖与平和的、更富于人情味的艺术风格，与受到较为严格形式规范控制的传统美术的生硬、刻板作风有相当大的区别。这时的美术家享有较多的创作自由，敢于如实地反映生活的本来面目。例如《阿赫纳吞雕像》。
而古爱琴海文明孕育的希腊艺术与古埃及艺术又有很大不同。"高贵的单纯和静穆的伟大"是古典盛期希腊艺术的本质特征。古典时期希腊美术崇尚理想主义与写实作风相结合的艺术原则，这时的建筑和雕塑最为完美地体现了古希腊的艺术理想。经典建筑散发着和谐、明朗、端庄的气息；经典雕塑洋溢着庄重、优美、和谐、生动的气息，带有浓郁的理想主义色彩。
古代希腊艺术的分期及各期的代表性艺术作品有几何纹样化时期——底庇隆陶瓶、古风时期——瓶画\建筑\雕刻；"库罗斯"和"科丽"雕像、"古风式微笑"；黑绘风格和红绘风格的陶瓶艺术；希腊神庙的典型样式——"围柱式"神庙以及两种基本柱式；古典时期——德尔菲的驭者、掷铁饼者、持矛者；古典盛期——此期的建筑和雕塑最为完美地体现了古希腊的艺术理想；雅典卫城的建筑和雕塑最有代表性；雅典卫城由帕特侬神庙、厄瑞克忒翁神庙、山门、胜利女神庙组成；古典晚期——出现了新的建筑类型和古希腊第三种重要柱式，三位杰出的雕塑家的诸多雕像作品、尼多斯的阿芙洛狄黛、刮汉污垢的运动员等雕塑作品。
艾特鲁利亚人艾特鲁利亚人艾特鲁利亚人艾特鲁利亚人是极富装饰才能的，他们创造的各类工艺品，应该被看做是古罗马工艺美术的先声，因为古罗马正是在此基础之上把欧洲古代工艺美术推向了极盛时期。
古罗马的金属工艺在古代欧洲工艺美术史中占有重要地位特别是银器工艺和青铜工艺，品种繁多，装饰华美，制作精良，深受世人喜爱。银器是古罗马时期工艺美术的代表性品种。因其不仅质地较硬，而且显得豪华，多以备受罗马人的喜爱。具罗马帝国初期著名学者普里纽斯记载，公元前198年鲁基乌斯.斯基匹奥在亚洲打胜仗后，带着1224磅的银器和1500磅的黄金制品凯旋而归。之后胜利的阿夫利卡奴斯又携带4370磅的银器胜利凯旋。从中我们可以看出贵族对银器的特殊爱好。
作为古罗马金属工艺的先声，艾特鲁利亚文明的黄金工具有优良的传统和优异的技术，黄金工艺十分发达。但对罗马人来说，黄金更适宜制作体积较小的配饰品，不易制作带有神话故事情节的浮雕工艺制品。因为黄金黄金自身的肌理就很美，无需进行更多的艺术加工。当然也有个别器物（地中海文明的黄金杯和迈锡尼黄金制品）例外。迄今为止精美的金属工艺品然而更多的是非黄金制品。于此相比，银器的量大而且价格低廉，因而成为欧洲工艺美术史上独特的体系。银的软度仅次于黄金加工起来具有良好的延展性，便于细工处理，敲打，锻锤，雕刻等技术都能很好的施展。其价值在当时较高，但即使如此银大约是黄金的价格的8%左右。银的重量也较黄金轻，而且显得纯净而辉煌，可以做出明暗关系很强的浮雕装饰纹样，整个制品比黄金更为洗练。
银器最初是有东方传入罗马的，从共和末期到帝政初期，残留下来的名称，多以“希腊人”“亚历山大”等东部地区的人为主，生产地为首都罗马，而更多的是罗马统治下的各领地。此时银器装饰的浮雕多为希腊神话，此外《伊利亚特》、《奥德赛》中的内容以及风俗主题和以哲学家、诗人的肖像及皇帝凯旋等人物为主的人像装饰很多。其中也有动物和植物的装饰。
银器即使作为日用品，仍然是贵族的奢侈品。作为一般的金属品，无疑青铜器的主流，从大型的门扉，到床铺、家具的腿和边，烛台，厨房用品，文具等各式各样的用具，皆有用青铜制作。作为装饰用的情况下青铜器和银器相同，以自然主义的手法描绘的较多，将家具的腿脚做成动物的腿爪形状，可以说，这是文艺复兴以后仍然保持的原型，起源于埃及。
早先的基督教徒通过艺术的形式来表现福音书巾所描述的完美世界，那是再自然不过的事情了，他们用这种方式来表达自己内心狂热的信念，以此加深对信仰的理解，并使他们的信念转变为对主的无限崇敬。正是在这种背景下，基督教的绘画艺术得到了突飞猛进的发展。
基督教在公元1世纪开始秘密流传于罗马帝国的疆域。因为处于非法地位，信徒们只能在私人宅邸内举行宗教仪式，这种早期的秘密宗教场所被称为"民古教堂"。后来为了逃避官方的搜查，这种仪式便转移到一种公共地下墓窟，这种墓窟是用于合葬基督徒的，在墓窟的天顶和墙壁上画满了各种圣经题材的壁画，因此它成为早期基督教艺术的宝库。这种形式主要流行于罗马城区，如罗马的普里斯拉地下墓窟，约建于公元3世纪，其闻名于世的是天顶壁画《善良的牧人》。这是早期基督教艺术最常见的的题材，在造型手法上还继承着古典的传统，形象准确而逼真。基督肩托羔羊站立，生气勃勃，线条简明流畅，使人联想到古希腊瓶画，四周的图案暗示出基督教最重要的象征十字架。
亚历山大港的圣克雷孟特(公元150年一215年)又进一步为此扫清了道路。他强调指出，希腊哲学与基督教思想密切相关。并提醒教会，它们的主耶稣基督因世界的美好而满心喜悦。他辩解说，如果是由于上帝的恩赐才使我们能开眼看世界，那么我们所看到的一切（除罪恶外)都会因上帝的化身——耶稣的诞生而变得纯净。在这种思想的影响下，基督教的艺术家们认识到了，创造美好的重要性，因为这不但能够丰富思想，还能纯洁灵魂。
基督教合法化之后，它的集会和仪式便回到了地面上，也开始兴建正式的基督教堂。但基督教没有自己的建筑传统，只好借用罗马现成的建筑形式。罗马有一种常见的公共建筑，平面呈长方形，中廊较宽，两旁有列柱分隔出过廊，平时供市民集会使用，称为"巴西里卡"。基督教徒把它直接搬用过来，在一端加上祭坛，并饰以宗教题材绘画，这种形式为以后的西方基督教堂的样式定了基调。
穿越横跨两千年时空的基督教艺术——我们从中领略基督教和艺术的完美融合创造出如此风格迥异、超凡人圣的绘画和雕塑作品。通过欣赏作品，我们可以大致了解它所处时代的人文精神。在这些艺术家中，有伟大的如米开朗基罗，也有很多默默无名者。他们都从基督本人和基督的启示以及教会礼拜中汲取灵感，运用他们神奇的于赋予那些冷冰冰的马赛克玻璃、颜料和石头以生命。通过他们的作品来丰富人们的思想，触动人们的心弦，并滋养人们的灵魂。
（公元5世纪——15世纪）流行的拜占庭美术首先是宗教美术。拜占庭建筑是基督教教会的建筑,绘画作品多取材于《圣经》，其形式和人物表情处理都须遵循具有神学意义的传统模式。拜占庭美术也是封建帝国的艺术。它炫耀帝国的强大和帝王的威严，把帝王表现为基督在尘世的代理人。拜占庭美术还被看作东西方融合的艺术。它注重色彩的灿烂，装饰的华丽,强调人物精神的表现。在拜占庭建筑中，大理石镶嵌画、壁画和其他艺术品的缤纷色彩互相辉映，造成一派壮丽华贵的景象。
早期拜占庭雕刻和壁画在风格上仍是古典的，人物造型有着古典式的自然与优雅。然而，新风格很快就在这种艺术中发展起来,5世纪的一些雕刻在非写实的构图与造型及其强调精神性的表现上，已经是拜占庭的了。石棺雕刻是拜占庭雕刻的重要组成部分,许多这类作品保留了下来。在教堂内部装饰中,雕刻几乎仅限于柱头、上楣和石制祭坛屏饰，其形式多为浅浮雕和透雕。镶嵌画和壁画取代雕刻，成为占主导地位的教堂装饰艺术。
拜占庭镶嵌画继罗马时代之后又一次获得繁荣发展，取得了很高的艺术成就。镶嵌画由小块彩色大理石或彩色玻璃拼嵌而成，色彩鲜明璀璨是它的基本特点之一。在拉韦纳的一些教堂可看到拜占庭第一个黄金时代的镶嵌画。圣阿波利纳雷教堂（约504）连拱廊两侧的镶嵌画分别描绘了走向基督和走向圣母的男女天使行列。作品的形式处理强调装饰性，不表现背景，有着几乎完全相同的姿势人物造型，很少有三度空间感。圣维塔莱教堂祭坛两侧的镶嵌画是拜占庭美术的著名作品。画中正面站立的人物形象表现了一种美的理想；他们有着纤长的形体，端正的面孔，专注的大眼睛，庄严的神态和华丽的衣饰。这些人物被赋予神圣的特质；带有圣光环的皇帝和皇后被表现为基督和圣母的尘世代理人。画中人物面部表现出一定的个性特征和眼神以及体态和神态等肢体呈现，这在拜占庭美术中是罕见的。
后期拜占庭镶嵌画和壁画强调严格的秩序，以及画像几何关系的完美与和谐。教堂装饰统一化，作品的主题处理及其在教堂里的布局都须遵循一定的模式。在绘画形式上，风格化的线条描绘成为造型的主要手段，空间观念更加抽象，色彩更加单纯，人物形象失去了肉体的存在，成为精神的象征。作于10世纪末的圣索菲亚教堂镶嵌画是这种风格的作品。
帕里奥洛加斯时期，镶嵌画和壁画的纪念性减弱,宏大的构图让位于纤巧而精微的细节描绘。绘画题材增多，题材处理更加自由；但是，整个装饰体系却失去了原有的统一性和整体感。镶嵌画减少，壁画大量出现。这一时期的重要作品有君士坦丁堡（乔拉教堂）的壁画和镶嵌画，其中的镶嵌画《玛丽亚的生涯》以优雅细腻的色调著称。晚期壁画的代表作品还有狄奥凡（希腊人）作于诺夫戈罗德的基督变容教堂的壁画(1378)。
镶嵌画在拜占庭艺术中占有特殊的地位，这种以小彩色玻璃和石子镶嵌而成的建筑装饰画，成为教堂内部装饰的主要形式。它最早出现在公元前3000年苏美尔人的艺术中，当时使用的是小块石膏，在古希腊罗马则使用大理石。拜占庭镶嵌画以玻璃为主要材料，这是因为它能反射出强烈的光彩，好像是小型的反射镜一样排列在一起形成一片非物质的闪光幕帘，达到一种虚无缥缈的效果。这时期最著名的镶嵌画在意大利拉文纳的圣维他尔教堂。蛮族艺术和加洛林文艺复兴（公元5世纪——11世纪）　意大利文艺复兴者把12、13世纪到他们时代之间的艺术称为"哥特式"。他们认为那都是"蛮族"哥特人所作，事实上，这种艺术可以说与哥特人没有多少关系。但是，哥特式艺术却无疑是整个中世纪艺术发展的一个顶点。它开始于建筑方面，而后才逐渐波及到雕刻和绘画。纵观整个哥特式艺术，它的发展重点是从追求建筑的效果而转向绘画的效果的：早期哥特式雕刻和绘画都是巨大建筑的一部分，而晚期的建筑和雕刻则追求平面装饰性的效果，不再追求结实和简洁的处理。
中世纪美术是西方文化的特殊表现形式之一。它改变了希腊美术、罗马美术的传统，并在发展中逐渐形成自己的形式和内容体系，成为特定时期人们生活、观念、思想、感情的特殊形式的表现。总的说来，中世纪美术属于基督教美术。作为宗教信仰和神学的表达形式，这种艺术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。为此,它往往以夸张、变形，改变真实空间序列等多种手法来达到强烈表现的目的。在这一总的特征下，中世纪美术各种风格之间又存在着很大的差异。拜占庭美术以其东方式的装饰性和抽象性与欧洲艺术分立而自成体系，并在约1000年的发展中始终保持着自己的独立性。爱尔兰－撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美术和哥特式美术则以不同的形式出现在欧洲美术发展的不同时期，相继以各自独特的风格在美术史上占有其一席地位。　建筑的高度发展是中世纪美术的最伟大成就。在中世纪，各种形式的大型宗教建筑在各地大量修建。作为历史纪念碑的许多拜占庭教堂、罗马式教堂、哥特式教堂都在艺术上和工程设计上取得了很高的成就。随着大教堂的建设，雕刻、镶嵌画、壁画也在不同时期获得了不同形式的繁荣；中世纪艺术家的大量优秀雕刻和绘画包括镶嵌画作品在大教堂内外创作出来。插图画和各种小型艺术也是中世纪美术的重要组成部分，它们在中世纪曾获得相当的繁荣。
希望对你能有所帮助。

这本《写给大家的西方美术史》是一本入门级的美术鉴赏读物。作者蒋勋，艺术评论家、画家、诗人、作家。阅读本书之后，你会对西方美术有更为清晰、系统的了解，非常适合西方国家旅行、逛展阅读。

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